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Chase Spruill in Conversation with Christian Baldini

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On June 3, 2023, I will have the pleasure of collaborating with the wonderful violinist Chase Spruill as our soloist in Philip Glass’ Violin Concerto No. 1 with the UC Davis Symphony Orchestra, at the Mondavi Center. Below is a conversation we had with Chase regarding this piece, and more:

Christian Baldini: Dear Chase, what a thrill it is to feature you as our soloist for the 1st Glass Concerto. You have been a regular collaborator of his for a long time, including your 2021 recording on his label (available here). Tell me, how did your relationship and collaboration with Philip Glass start?

Chase Spruill:  I’m so happy that this is something we’re doing together– thanks for having me!  I always tell people my relationship to Philip Glass began way before I ever met Philip Glass.  As a kid, I was a nut about horror movies–I watched almost anything and everything I could get my hands on.  One of those was the movie CANDYMAN based on a short story from Clive Barker.  And I was pretty used to the formula for what horror looked like on screen back then.  But Candyman came along, and you have this slow burn of a movie taking place in the former Cabrini Green area of Chicago where people are talking about gang violence, drugs, trying to raise kids out of that kind of a life situation, and in the background of it all, a mysterious entity known as The Candyman who lurks behind the violence.  And the music is some of the most sublime I’d ever heard in film, using piano, pipe organ and chorus just singing syllables.  I just didn’t know what in the world could be happening.  It didn’t look like or sound like anything else I’d seen up to that point.  And I’d always stay ’til the very final credit rolled, and if it came on again, I’d watch it again.  This was all happening at the time where I was just starting to take violin seriously, so I never had a chance.  I was hooked.  I met and started working with the director of the Philip Glass Ensemble Michael Riesman in 2014, met Philip face-to-face in 2015, and met my friend Richard Guerin who helps run Philip’s record label in 2016 for the first recording I ever did for them.  I love watching Team Philip Glass in orbit.  I just sit back in amazement at all of it.

CB: Tell us about Glass’ First Violin Concerto. What should people listen for? What is very special to you about it?

CS:  Philip had written so much music up to this point, but this was the piece that was solely a piece for the concert stage that really took off.  He wanted to write something that his Father would enjoy, and his Dad was a big appreciator of Mendelssohn Violin Concerto in E minor, so sometimes Philip will say this piece is inspired by it, but when you’re listening to it, I’m not sure how much one really hears that inspiration.  It’s so clearly his language in the form of a Concerto for Violin and Orchestra, but it’s not really a virtuoso showpiece in the way we might think of violin concertos in the past two centuries.  I read somewhere that someone said something along the lines of (I’m paraphrasing) “It’s a Concerto for the whole orchestra where the violin peaks out as the top, overarching voice.”  That’s what is ultimately so special to me about it.  I love Teams and being part of Teams, and I love when music is effortful and group work ethic is high, so a piece where everyone is committed 100% to the language of the piece itself is right up my alley.

CB: What were your first steps with music? How did it all start? Did you ever imagine you’d be so successful? (I know, successful is a very ungrateful word, and how does one even define success?)

CS:  I started playing violin in public school.  It was kind of a simple thing, really.  I’d always enjoyed music and musical sounds.  The opportunity to be able and try it came up in 5th grade and violin was ultimately what I chose.  A year later though, I was pretty seriously hurt during the school day during a basketball game with an injury that left me bedridden, wheelchair-bound and in-and-out of surgeries and rehab for two years.  I was in-and-out of school and missed a lot of activities, but the thing that I had to keep me company outside of my family was my violin and movies/television, so I practiced a lot.  I’d record myself playing one violin part of a duet and then play the tape back and play the other violin part live, or sit with the end-credit music of movies and try to figure out all the notes.  And these are all things I kind of still do today, if you catch me in my private moments!  I don’t necessarily lead an exciting life.  Thank you and thanks to anyone who might say that I’m successful, because that sure is nice of anyone to say, but I don’t know that I necessarily myself feel that way.  I work as hard as I can and pursue things that interest me, but I’m still that kid who likes musical sounds and gets excited about a good movie score and wants to learn how to play those notes!

CB: You have worked closely with many composers, including Michael Nyman. Tell us about these collaborations. What is important to you about them? What are some of your favorite memories from them?

CS:  Anybody who knows me has probably heard me make the joke by saying I operate off a limited skill set because I really love Mozart, Glass and Nyman (maybe a Therapist could help me tease out why in the future, or if there’s a connection!), but what I’m really trying to say is I’m profoundly attached to specific ideas in music, and I want to intensively pursue my understanding of those ideas, and have an authentic love of those ideas so much so that maybe people will let me share this music with them.  I obviously can’t work with Mozart, so to be able to hear Philip Glass talk about a score or an idea, or to watch Michael Nyman tease some musical construction he’s interesting in composing (and, in some cases, recomposing), it builds this sense of confidence about musical process and offers me a lot of reminders about the ways in which music and music-making can be collaborative, and how the page is just the start.  The page is an intention–a really great first step.  The composer depends on and is interested in the performer bringing the other part of the human element to music.  These composers I work with are masters of “Yes, And!”  They rarely tell me No, but they also trust that my interest in what they’re doing is rooted in genuine curiosity about their language and in what they’re trying for.  One of my favorite memories was working with the composer Brian Reitzell in his soundtrack for the NBC television series Hannibal where he’d experimented with stretching out and synthesizing Bach’s Aria da Capo for a particularly devastating and bloody moment in the season two finale.  I told him,” You know, this particular sound you’re making is so close to the human voice.  I could totally hear a Solo Violin for this overarching line.”  It was the quickest Yes I’d ever gotten, and we worked on it and he goes,” That’s devastating!  I love it!” and we kept it, even though it wasn’t the original intention for the piece.  It didn’t detract anything from his original intention, but I’m happy he felt it elevated it emotionally.  That’s what I like!  It’s the best when musical collaboration is like being a kid playing in a sandbox with a really good friend near you.  You just work to see what you can build together.  You’re never trying to knock anything down.

CB: What are some of your dreams, goals, future and upcoming projects that you are very excited about?

CS:  My friend Richard Guerin had the idea for me to form a String Quartet called CS4 (and I always say “I didn’t name it, he did!”), but it’s a terrific opportunity to work with different kinds of friends in music.  So much of what I’ve done to this point has been solo, or violin and piano, but I’d been interested for a while to expand some of my own aesthetic and rhythmic interests in music into the world of chamber music.  I’m very excited we’re releasing our first recording this year, and this summer, CS4 will have its stage debut at ArtPark in Lewiston, NY near what I understand are your former stomping grounds in Buffalo, NY!  We’re giving the U.S. Premiere of Philip Glass’ String Quartet no.9 (“King Lear”) which was originally commissioned for Tana Quartet which gave the World Premiere, but I’m really over the moon about the opportunity to present it throughout North America.  To me, it’s such an interesting dramatic departure from his other string quartets and very surprising.  It sounds like a different musical period for him in a lot of ways.

CB: That sounds absolutely wonderful, and I look forward to listening to that new recording of yours. Once again, thank you for all the beautiful music dear Chase. We are delighted that you are our soloist this week!

CS:  It’s a real treat to have the chance to work with you in this capacity.  I’m really happy we’re doing this!  Thank you, Maestro!

Violinist Chase Spruill has gained an international reputation as a performer of contemporary music, interpreting minimalist masters such as Philip Glass, Michael Nyman and Henryk Gorecki. In 2020, BBC Music Magazine hailed his debut solo album of the music of British composer Michael Nyman, citing that “Spruill plays with great spirit . . . and a great sense of presence” and calling him, “an engaging and convincing advocate.” This same year, Capital Public Radio called him, “a breath-taking performer” with MusicWeb International highlighting that “Spruill plays with fire and yet sensitivity . . . and with absolutely secure rhythmic foundations.” He was a core faculty member with the nationally celebrated not-for-profit organization Community MusicWorks in Providence, RI, from 2012 to 2017, as well as a visiting professor of violin and orchestral studies at Wheaton College in from 2015 to 2017. Dedicated to exploring potential intersections between music and social justice, Spruill returned to his hometown in Vacaville to develop and run the music program at the new school Sierra Vista K–8 where he remains on faculty. He’s collaborated with other notable artists such as Kronos Quartet, composer/electric guitarist Steven Mackey (a UC Davis music alum ‘78), and BAFTA-nominated composer Brian Reitzell, releasing music from the critically acclaimed television series Hannibal. His recordings appear on the Philip Glass record label Orange Mountain Music and on Supertrain Records. Since 2019, Spruill has served as the concertmaster of the Camellia Symphony Orchestra in Sacramento, California.

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Claudia Pereira en diálogo con Christian Baldini

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Christian Baldini: Estimada Claudia, es un placer tenerte como nuestra soprano solista junto a la Orquesta de Cámara de Chile en nuestros próximos conciertos el 6, 7 y 8 de Julio, en Las Condes, Requínoa y Padro Aguirre Cerda respectivamente.

Vamos a presentar contigo cuatro arias de Mozart que son muy celebradas y que han entrado en el repertorio central operístico de fines del siglo XVIII. ¿Qué me podrías decir de estar arias, y de su significado? ¿Y por supuesto, qué me podrías decir de los tres personajes que vas a representar en ellas? (Susanna, la sirvienta del Conde de Almaviva en Le nozze di Figaro, Zerlina, una joven campesina a punto de casarse con su prometido Masetto en Don Giovanni, y finalmente Despina, una joven sirviente de Fiordiligi y Dorabella en Così fan tutte) 

Claudia Pereira: Bueno, primeramente ha sido un placer estar haciendo este repertorio con esta orquesta y con su batuta al mando. Respecto de este repertorio y más precisamente de estas cuatro arias, encontramos a tres personajes femeninos que ostentan ciertas similitudes en cuanto a posición social, en rango etario y en ciertas visiones o conducciones con el género masculino. Tanto Susanna en Bodas, Zerlina en Don Giovanni y Despina en Così, son jóvenes, sirvientas y mujeres de gran carácter. Curiosamente, en estas cuatro arias se encuentran cada una de ellas en una acción en torno al poder de manipulación femenino frente a los hombres. Primeramente en el aria de Susanna, ella se encuentra esperando al Conde, a quien engañado ha citado a un falso encuentro amoroso mientras Fígaro espía a su supuesta infiel prometida, en este momento ella canta un amoroso texto sobre la espera de este encuentro sabiendo que es oída por Fígaro, a quien decide castigar por osar dudar de su fidelidad, manipulando sus celos a través de las apasionadas palabras del aria, escena en al cual finalmente ella está manipulando a los dos hombres. Zerlina por su lado, en sus dos arias dirigidas a su prometido Masetto, manipula a través de sus encantos y palabras seductoras, la ira y celos de éste por su poca resistencia a los avances amorosos de Don Giovanni. En ambas ocasiones logra ella revertir una situación que le es adversa, a través de la manipulación y conocimiento de los instintos primarios de su prometido. En el aria Una donna quindici anni, Despina, una joven sirvienta explica y da lecciones de manipulación sobre el género masculino, a sus dos patronas, Dorabella y Fiordeligi.

Conociendo el carácter político y contestatario de Mozart, y siendo Lorenzo Da Ponte, el libretista que colaboró con él en estas tres óperas, podemos inferir que ninguno de estos personajes aparecen por azar o de manera ornamental. Las tres jóvenes son mujeres fuertes, de carácter decidido, de orígenes humildes y con gran conocimiento del género masculino. Sin duda, hay tanto en  una intencionalidad de poner en relieve esta supuesta superioridad femenina en el arte de la manipulación frente a su género opuesto, pero no lo hace precisamente en las mujeres de alta alcurnia en estas tres óperas, sino en las simples aldeanas y sirvientas. Este “conocimiento” del género masculino a través de la manipulación de las “artes femeninas”, puede hoy en día ser leído de múltiples maneras, algunos dirán que se trata de un prejuicio sobre el género femenino y de igual manera, otros podrán creer que pone en evidencia la superioridad femenina en el conocimiento sicológico de lo masculino, pero ciertamente, lo indiscutible es que Mozart usaba siempre su música como un acto tanto político como artístico, tan aparentemente ligero como profundo a la vez, tan hermoso como brutal, y siempre sin duda alguna, admirable y polémico a la vez.

CB: ¿Cómo fueron tus comienzos con el canto? Estuviste siempre interesada en la ópera y el canto lírico?

CP: La verdad es que el canto estuvo siempre presente desde la etapa escolar y de una forma muy natural. Pero cuando comencé a estudiar música lo hice a través del piano en un comienzo, alrededor de los 9 años y posteriormente, con la guitarra clásica, instrumento que había aprendido a los 8 años a tocar por influencia familiar. El canto era una actividad que desarrollaba paralelamente tanto en coro como solista pero sin pensar en estudiarlo realmente sino recién a los 17 años, cuando salí del colegio. Para ese entonces, en la Escuela de Música en donde estudiaba guitarra, llevaba ya 3 años cantando en un grupo vocal de cámara, en donde tuve la oportunidad de ser solista en obras barrocas principalmente. En ese  entonces mi gusto por la ópera era absolutamente nulo, es más, de lo poco que conocía de ópera, me había hecho una muy mala idea del género. Decidí estudiar Canto Lírico para poder dedicarme a la música barroca y de cámara. Ya en la universidad vine a conocer la ópera francesa y con ella se despertó mi gusto por el género operístico.

CB: ¿Por qué crees que la ópera sigue siendo relevante hoy en día?

CP: Creo que desde lo estético, la ópera es el género capaz de convocar a diferentes públicos a través de sus muy diferentes estímulos. Por un lado a quienes se sienten atraídos por la música y los sonidos en sí, también a los que sus estímulos visuales los apasiona, a quienes ven en ella esta especie de relato teatral, a los que buscan gozar de vestuarios, maquillajes y escenografías, a los amantes del canto propiamente tal y a quienes las sonoridades de tal o cual compositor los convoca. Por otro lado, ha sido históricamente, un espacio de expresión de sus propias épocas, en lo estilístico, literario, político, social y por supuesto, en lo artístico y musical. La ópera es por sobre todo, un espacio de expresión artística capaz de generar múltiples estímulos y significancias en las muy disímiles audiencias que genera trascendiendo aún a su propio origen.

CB: ¿Qué consejos le darías a jóvenes cantantes que están comenzando y aspiran a una carrera como solistas de ópera? 

CP: Lo primero que suelo compartir a mis jóvenes alumnos es  que pongan su deseo en ser por sobretodo intérpretes, que la obtención de sus conocimientos musicales y vocales, estén al servicio de aquello que se quiere decir o transmitir. Luego, podría decir que la voz, como la herramienta para interpretar, debe ser cultivada y cuidada con respeto a su naturaleza, que la técnica debe buscar siempre maximizar lo que se tiene, lo natural y auténtico y siempre lo saludable. De esta forma el instrumento a través del cual nos desarrollamos nos podrá acompañar por más tiempo de forma óptima en el camino de la música. A veces, en el ansía de comenzar pronto en este camino, olvidamos quienes somos y qué tenemos para ofrecer en qué momento de nuestra carrera, y este olvido, puede finalmente llevarnos al extravío en nuestro camino.

CB: Desde ya muchísimas gracias querida Claudia, será un verdadero placer compartir tu musicalidad y talento con nuestros públicos en la Región Metropolitana y en la Región de O’Higgins.

CP: Es realmente un placer para mí volver a estar con esta querida Orquesta de Cámara de Chile, después de un largo periodo pandémico, con esta hermosa música, estos atractivos y entretenidos personajes y bajo una batuta tan certera y conocedora del género. Muchas gracias Maestro.

Claudia Pereira

Claudia Pereira – Soprano

Destacada soprano nacional, Intérprete Musical en Canto y Licenciada en Música. Realizó sus estudios en la Pontificia Universidad Católica de Chile con los maestros Mary Ann Fones y Patricio Méndez. Primer Lugar Concurso Internacional de Canto Lírico de Trujillo, Perú, Nominada Mejor Figura de Ópera APES año 2000 y Premio a la Crítica del Círculo de Críticos de Arte en 2019.

Desde 1995 ha sido solista habitual en las temporadas de las principales agrupaciones de nuestro país.Entre sus actuaciones destacan las más reconocidas obras del repertorio sinfónico universal realizadas junto a las más reconocidas agrupaciones como Orquesta Sinfónica Nacional de Chile, Orquesta de Cámara de Chile, Orquesta de la Universidad de Santiago, Sinfónica de la Universidad de Concepción, Sinfónica de Cuyo, Sinfónica de Santa Fe, Orquesta Sinfónica Juvenil de Chile, Sinfónica de la Universidad de Concepción, Orquesta de Cámara de Valdivia y Filarmónica de Santiago, entre otras.

En el ámbito operístico ha interpretado numerosos roles, entre los cuales se destacan Lucy en El Teléfono de Gian Carlo Menotti, Musetta en La Bohème y Lauretta en Gianni Schicchi de G. Puccini, Susanna en Las Bodas de Fígaro, Reina de La Noche en La Flauta Mágica de Mozart, Rosina en El Barbero de Sevilla, Adina en Elixir de Amor, Rodelinda de Händel, entre otros.

Entre sus actividades musicales como solista figuran también numerosos recitales y galas en los más importantes escenarios, en compañía de destacados músicos y conjuntos de cámara connotados.

Desde 2011 se desempeñó como Profesora de la Cátedra de Canto Lírico del Conservatorio de Música de la Universidad Mayor y en la actualidad es Académica del Instituto de Música de la Pontificia Universidad Católica De Chile desde 2018, donde se desempeña como profesora de cátedra e intérprete en sus distintas temporadas.