On November 19, 2022, I will have the pleasure of welcoming the wonderful cellist Eduardo Vassallo as our soloist in Alejandro Civilotti’s work “Auris Concertum”, with the UC Davis Symphony Orchestra at the Mondavi Center. I had the opportunity of asking Eduardo some questions, and below are his answers.
Christian Baldini: Dear Eduardo, what a pleasure to have you with us here in Davis to perform as our soloist in Alejandro Civilotti’s work for cello and orchestra “Auris Concertum”. I know you played the world première performance of this piece with the Buenos Aires Philharmonic. Tell us, why is this piece so special to you? How would you describe it to someone who doesn’t know it?
Eduardo Vassallo: It is a great pleasure to be here with you guys. Yes indeed I did the world première of this amazing piece. On saturday will be the USA premier. This piece is very special because it was written during a terrible time for Alejandro; he won the Queen Sofia Competition (Spain);at that time he started losing his hearing and by the time the Queen gave him the prize he couldn’t hear anymore; She was shocked by the situation and a few weeks later he got a call from the Palace with an invitation to go and see the Queen’s doctors. They couldn’t do much but the only possible hope was a Cochlear Transplant, (One of the first in Spain at that time). The Queen Sofia paid for the operation. The “Auris Concertum” was written as a thanks to Her Majesty Queen Sofia. He started working as soon as he new about the operation and finished it on the morning one hour before going to the hospital. Without knowing what the outcome would be, this piece is full of desperation, anger, memories and hope. I love very much the language, using all the registers of the cello is very challenging not only for the soloist but also for the orchestra.
CB: Tell us more about the composer, Alejandro Civilotti. How did you become acquainted with his music? Has your relationship with him evolved over time?
EV: We met many years ago, he is a very interesting person and we got on really well together. He invited me to participate in a very interesting project in Formosa North East of Argentina, a province without any classical music connection; he moved from Barcelona for more that 5 years, I used to go once every year to play chamber music and to supervised the creation of the “Tecnicatura de Musica”. The programme after much work it is up and running!!!!! We became very good friends and I have played many of his pieces, in Birmingham, Buenos Aires, Brazil and Barcelona.
CB: Last month we had the pleasure of hosting at the Mondavi Center the wonderful orchestra that you play in, the City of Birmingham Symphony Orchestra. You have been their principal cello for quite some time now, playing under revered music directors such as Sir Simon Rattle, Andris Nelsons, Sakari Oramo, and now Mirga Gražinytė-Tyla. Could you share with us some anecdotes or amazing experiences that you may recall from playing in (and from being one of the leaders of) this wonderful orchestra?
EV: I considered myself lucky to have worked with these great musicians. For me the most important thing was to witness the way an orchestra matures and moves on; each music director brought some different creativity and they each helped making the orchestra feel alive and with a purpose.
CB: You have played a lot of new music in Birmingham. Simon Rattle was a champion of promoting living composers. Are there any composers, works or experiences that you remember very fondly from this?
EV: Many, very difficult to single one out but the cycle Towards the Millennium was spectacular, it last 10 years with concerts in Cardiff, London, Birmingham and Vienna. We started in 1990, and finished in the year 2000; each year we would be playing pieces from that decade, in 1990 we will played pieces from 1900 to 1910; in 1991 pieces from 1910 to 1920; finishing with the millennium playing pieces that had just been written!!! It was unique and I am very proud of having been a part of it.
CB: Thank you so much for your time and great answers. I look forward to sharing your wonderful musicianship with our audiences this coming weekend here in Davis!
EV: Looking forward to seeing you all there in this beautiful hall. I hope you enjoy my playing!!!
Eduardo Vassallo Born in Buenos Aires, Argentina, by the age of 17 Eduardo Vassallo was a founder member of the String Quartet of the National Radio, and the solo cellist of the National Symphony Orchestra. Not long after, he came to Europe to study at the International Menuhin Music Academy in Switzerland, where, as a key member of the Camerata Lysy Gstaad he took part in numerous recordings, and toured throughout the world with Sir Yehudi Menuhin and Alberto Lysy. From there Eduardo moved to Germany, where he became increasingly active in the field of contemporary music as a member of the WNC Ensemble für Moderne Musik. In 1989 he became Principal Cellist of the City of Birmingham Symphony Orchestra, firstly under the musical direction of Sir Simon Rattle, then Sakari Oramo, Andris Nelsons and Mirga Grazinyte-Tyla, then as of next season, Kazuki Yamada. He was one of the founding directors of the Birmingham Ensemble (a chamber group drawn from the ranks of the CBSO). He has also guest led the cello sections of most of the main British symphony orchestras. As a soloist Eduardo has given recitals throughout Europe and South America, and has appeared frequently with orchestras including several major concertos with the CBSO. In England he gave the world premieres of the Sonata for cello and piano and the Duo no. 2 for violin and cello by his compatriot Jorge Bosso, and the Sinfonia Concertante by Indian composer Vanraj Bhatia, and he performed the UK premiere of “Azul” by Osvaldo Golijov. In Buenos Aires his world premieres include the cello concerto “Auris Concertum” by Argentine Alejandro Civilloti with the Philharmonic Orchestra of Buenos Aires, and the Grand Tango by Astor Piazzolla. In 2009, he formed a collaboration with Tim Garland (saxophone) and Marcelo Nisinmam (bandoneon) to create a multimedia jazz/tango fusion show called Transtango, first performed in the Bloomsbury Theatre in London, then at various festivals around the country (Salisbury Festival, Vamos Festival Newcastle, Buxton Festival etc). As a result of this collaboration, the CBSO commissioned Tim Garland to write a double concerto for cello and saxophone to celebrate Eduardo’s 20 years in the orchestra, which he performed with the composer under the direction of Christian Jarvi. Eduardo Vassallo has 2 solo recital CDs, “Latin American Masters” on the ASV label, and “Tangos by Piazzolla” on the Somm label. His love for the tango caused him to form “El Ultimo Tango”, a quintet dedicated to music from Buenos Aires, with which group he has released 3 CDs He was also a guest artist on the CD “Conception” by the jazz fusion John Turville Trio. Eduardo taught for 32 years at the Royal Northern College of Music, and still teaches at the Royal Birmingham Conservatoire, and has taught at summer courses in Switzerland, Portugal, Spain, England, and South America. He has regularly participated in the International Festival of Chamber Music in Formosa, Argentina, and Femusc in Brazil, and is the founder and director of the Latin-American Cello Festival, which takes place every 2 years in Buenos Aires. In 2014, he became the Musical Patron of Rutland Sinfonia. Eduardo Vassallo plays a Paolo Testore cello made in Milan 1710 and a Ferdinando Gagliano cello made in Napoli 1792.
El próximo 5 de Agosto (de 2022) tendré el placer de dirigir la Orquesta Nacional de Música Argentina “Juan de Dios Filiberto”, en un programa que presenta obras de Victor Lavallén y de María Laura Antonelli. “Lavallén Sinfónico” es una Suite sinfónica con 11 tangos de este gran compositor y bandoneonista que ha tocado con todos los grandes, incluyendo sus 10 años como arreglador y bandoneonista de Osvaldo Pugliese. Diego Schissi ha realizado estos arreglos sinfónicos, y tendremos al Quinteto Lavallén como solistas al frente de la orquesta (Victor Lavallén, Diego Schissi, Juan Pablo Navarro, Guillermo Rubino y Alejandro Bruschini). Nos hemos sentado a conversar con el Maestro Victor Lavallén (quien a sus 86 años muy humildemente me insiste que por favor lo trate de “vos”) para charlar sobre este interesantísimo proyecto y música en general. Debajo están las respuestas.
Comienzo esta entrevista comentándole al Maestro Lavallén que hace pocos días, almorzando con mi amigo Juan Pablo Jofré (luego de habernos presentado juntos con la Orquesta Sinfónica Nacional en Buenos Aires), le comenté del proyecto que haríamos con Victor. Juan Pablo es un gran bandoneonista y compositor argentino que vive en los Estados Unidos hace unos 15 años, y que trabaja por todo el mundo. Cuando le conté del concierto con Victor Lavallén, Juan Pablo me dijo “No te puedo creer! Victor es el más grande. El mejor de todos. Nos pasa el trapo a todos.” Esa humildad de Juan Pablo está totalmente en coincidencia con la gran humildad que tiene el Maestro Lavallén, quien es realmente una parte viviente de nuestra cultura musical como argentinos, y como amantes del tango.
Christian Baldini: Querido Victor, contame por favor acerca de tu experiencia no solamente como uno de los más grandes virtuosos del bandoneón, sino también como arreglador de varias de las grandes orquestas de tango, incluída la de Pugliese!
Victor Lavallén: Si bueno, yo te digo, yo comencé a los 14 años a trabajar profesionalmente. En la década del ’50 había muy pocos músicos. Yo había estudiado en Rosario primero con mi tío, y después en Buenos Aires con Eladio Blanco, que tocaba con D’Arienzo. Al año o algo así me puso en una orquesta. Cuando me pusieron la música delante, yo empecé a llenar todos los silencios. “Pibe venga”, me dijeron. No se tuteaba antes. Yo tenía 14 años pero parecía que tenía 18. Me dicen “Usted se dió cuenta que no dió una, no?” Y ahí me echaron. Pero una semana después me llamó mi maestro y me dijo que en la orquesta no conseguían a nadie entonces me llamaron a mí. Entré y me quedé dos años. Era muy difícil ehh… Había cosas como con siete bemoles para solo de bandoneón…
Después de ahí empecé con Miguel Caló. Ahí estaba Julián Plaza, estaba Bajour. Después con Atilio Stampone. Y con Franchini. Todo lo que está grabado lo grabé yo. Y con el flaco Paz.
Christian Baldini: Cuando yo le cuente a mi viejo todo esto no lo va a poder creer. A mi viejo le gusta muchísimo el tango y conoce mucho de su historia.
Victor Lavallén: Y si… te digo, yo estaba en un momento en cinco orquestas. Me levantaba a las 10am y volvía a las 5am. Estuve con un montón, hasta que después… un día me fui a Radio El Mundo. Y me encontré con Romero, el pianista de Pugliese. Me pidió que pusiera mi nombre. Había tipos muy conocidos, que eran carteles. A la semana me llamaron a mí. Me citan en la radio, Radio Splendid. Me preguntaron: “usted escribe”, y yo dije que sí, aunque en realidad no había hecho casi nada. Y me pidieron que hiciera un arreglo de “Gallo ciego”. Y bueno, dije. Pero yo no estaba en la onda todavía. Y le digo, che, como hago acá? Y le preguntaba a Ruggiero y a Pitani, y a todos les pedía ayuda para hacer el arreglo. Y salió. Zafó. Después me dice Sergio Maciel, por ahí vamos a Rusia, y necesito que me hagas un arreglo del tango “El pañuelito”. Y con ese ya me mandé solo. Y cuando volvimos de Rusia, el éxito era “El pañuelito”.
Y en ese interín, se va De Marco. Y me preguntan a mí, y lo recomendé a Julián Plaza. Ellos no querían carteles. Por eso me habían contratado a mí que no me conocía nadie! Y después empecé a estudiar. Estudié con Rovira, estudié con el Maestro Nistal, ahí por Congreso. Después con Juan Carlos Cirigliano. Pero yo ya sabía para ese entonces. Yo con Pugliese probaba todo. Y a veces me decía “pero pibe, no se piante”, porque yo me rajaba. Estuve 10 años con Pugliese.
Después en el sexteto, con Osvaldo Ruggiero. Estuve con un montón de orquestas.
Después apareció Forever Tango. Juntos con Marconi, estabamos en la televisión y nos fuimos tres veces a Londres. Con Walter Ríos. Había dos orquestas, en Londres y en San Francisco. Y Ríos se fue y me puse a dirigir esa orquesta 18 años. Y después estuve a cargo de la orquesta escuela. (la Emilio Balcarce)
Después grabé lo mío, con Luis Bravo.
CB: Y con la orquesta escuela cuántos años ha estado?
VL: Desde el 2011. Primero estaba Emilio Balcarce. Después vino Marconi. Y después de Marconi me llamaron a mí, y estoy desde el 2011.
CB: Y aparte es una orquesta impresionante a la cual viene gente a formarse en la tradición tanguera de todo el mundo, verdad? Yo conozco a una pianista Coreana (Sumi Lee) que vive en San Francisco y que vino a hacer la orquesta escuela. Ahora conozco a un Puertorriqueño (Ishtar Hernandez) que también está haciendo el programa. Cómo sucede esto?
VL: Suena una barbaridad, son todos buenos músicos, y aparte son todos pibes jóvenes, que vienen de todos lados! Venite a un ensayo!
CB: Me encantaría, cuando?
VL: Venite el miércoles 3.
CB: Perfecto, muchas gracias!
VL: Hoy me tuve que levantar a las siete y no dormí nada (para llegar a tiempo al ensayo con la Orquesta Nacional de Música Argentina)
CB: Una pregunta importante: el tango, que significa para vos?
VL: El tango es todo para mí! Yo nací en una familia de tango, en Rosario y mi papá tenía una orquesta de tango. Mis tíos eran todos músicos. El tango para mí es lo máximo.
Pero yo al principio, vivía en Gorriti y Bustamente. Y a una cuadra vivía el gordo Pichuco. Y yo tocaba la trompeta, me gustaba mucho el jazz. Pero a mi mamá le llenaron la cabeza que era peligroso, y no era bueno para los pulmones. Con lo del bandoneón también trataron de convencerla que era malo. Pero después me fuí a Rosario a estudiar con mi tío, y cuando volví, arranqué con Eladio Blanco. Yo tengo 86!
CB: Qué consejos le darías a la gente joven que está arrancando y tratando de iniciarse en una carrera en el tango?
VL: Yo pienso que está bien, que tienen que estudiar como hacen ahora, que antes no se estudiaba tanto. Pero tienen que fijarse en no desvirtuar el género. Entonces hacen todos Piazzolla o más que Piazzolla. Y Piazzolla es melódico aparte. Los que son muy contemporáneos no se entiende nada. Hay que investigar y escuchar mucho. A las orquestas. Las orquestas de antes eran muy modernas. Parece que son las de ahora. Hay que escuchar a Miguel Caló, Franchini, Osvaldo Pugliese. Era muy avanzado.
CB: Cómo lo describiría a Pugliese?
VL: La idea de Pugliese era muy avanzada. Esa yo también la hubiera querido hacer. Tener una orquesta pero que escribieran todos. Encontrarle una forma. Lo que hizo Pugliese. Por la forma de él, todos fueron a parar ahí. Después había muchos que ponían lo propio. Julián Plaza, Ruggiero, yo, Balcarce, y también Julio Carrasco que era un violinista que no era muy conocido. Pero el tipo sabía un montón. Yo le preguntaba todo a él al principio.Los pibes de ahora me gustan mucho. Les interesa el género. No lo toman como una cosa así nomás. Vas a ver como te va a gustar el ensayo. Me gustaría que vinieras.
CB: Y por supuesto que voy a ir, ahí nos vemos! Maestro, ha sido un placer impresionante. Me siento muy privilegiado de estar colaborando juntos en este hermoso programa que presenta tus tangos con vos mismo como solista.
VL: Que gusto che, encantado, y va a salir muy bien esto!
Victor Lavallén
Victor Lavallén
Nació en Rosario, provincia de Santa Fe. Debieron pasar algo más de cincuenta años para que decidiera dejar de ser «un muchacho de la orquesta», ocupando un lugar en la línea de bandoneones. En varias oportunidades declaró ser persona de bajo perfil, quizás el ideal para ser invitado por algunos directores como refuerzo para las grabaciones o, como ocurre en la actualidad, ser el director de la Orquesta Escuela Emilio Balcarce, o bien director de la Orquesta de la Municipalidad de Lomas de Zamora (ciudad colindante a la ciudad de Buenos Aires).
Qué mejor para los muchachos que tenerlo a él como maestro. Pero este tanguero no comenzó con la mirada puesta en el fueye sino en la trompeta y, sus oídos, en el jazz. Por suerte cerca suyo, rondaba un tío bandoneonista que trabajaba en orquestas rosarinas, Héctor Chera, hermano de su padre Luis (director de orquesta), quien no sólo lo entusiasmó con el instrumento sino que le enseñó y lo fue formando.
Con muy poca experiencia se largó a Buenos Aires con no más de catorce años y, en el Picadilly, aquel local que estaba en el subsuelo de la calle Corrientes casi Paraná, consigue ingresar en una agrupación pequeña llamada Los Serrano, a cargo de un señor Eduardo Serrano que lo despidió al poco tiempo.
Más adelante fue a estudiar, durante largos meses, con Eladio Blanco, músico de Juan D’Arienzo. Ya con mejor respuesta, volvió a la orquesta de Serrano y permaneció a su lado un par de años. Durante aquel tiempo de estudio alternó en la agrupación de Antonio Arcieri —violinista decareano que falleció poco después, el 5 de mayo de 1952—, y en la de Lorenzo Barbero.
Desde 1951 hasta 1954, estuvo con Miguel Caló, que incluyó una recordada gira por tierra brasileña y también grabaciones. Es digna de elogio su participación en varios discos, entre los que podemos citar a “En fa menor” (de Roberto Caló) y “El chamuyo” (de Francisco Canaro).
Fueron diez años de músico y arreglador, inmerso totalmente en el estilo y el espíritu del maestro. Alguna vez me comentó que Pugliese insistía a sus músicos que intentaran componer y hacer sus arreglos, a fin que la orquesta no resultara monótona. Era una forma de que, sin perder su particular secuencia rítmica, pudiera escucharse algo nuevo. Y así fue. Cada uno aportó lo suyo, y es posible que esa haya sido la causa por la que don Osvaldo siguiera tan vigente hasta su fallecimiento.
En cuanto a esta modalidad impuesta por Pugliese a sus muchachos respecto a los arreglos, Víctor me contó que generó algunos pequeños disturbios: «Como todos opinaban, ocurrían discusiones fuertes, varios tenían su trabajo hecho y no lo podíamos escuchar porque dos o tres decían que el que corría era el de Emilio Balcarce o el de Penón, por ejemplo, y uno que había hecho el suyo se quedaba con bronca. Ahora si yo con mi orquesta tuviera mucho trabajo me gustaría que los músicos compusieran y arreglaran porque así se irían formando». Y más adelante agregó: «hoy las orquestas se acabaron, de las que llevan años en la lucha están la de Leopoldo Federico y Rodolfo Mederos y alguna otra reciente, pero se trabaja poco, o son contratados para eventos especiales o para el turismo, no hay campo de acción y el baile, que sí funciona, se arregla con discos».
Volviendo al repaso de su trayectoria, llegamos al año 1968. Pugliese estaba enfermo y había otras cuestiones. Alguno de sus muchachos comenzaron a reunirse para tocar como sexteto y, en poco tiempo, sobrevino la retirada definitiva. Así nació el Sexteto Tango.
Estuvo 19 años consecutivos con el sexteto, hasta que decidió retirarse. A partir de ese momento, participó en dos formaciones: la Orquesta Municipal del Tango entonces dirigida por Carlos García y Raúl Garello y la Orquesta Color Tango junto a Roberto Álvarez (bandoneón), Carlos Piccione y Fernando Rodríguez (violines), Amílcar Tolosa (contrabajo), Roberto Cicaré (piano) y Juan Carlos Zunini (tecladista).
Luego participó en el espectáculo Forever tango, con un grupo de músicos, cantores y bailarines, que recorrió Estados Unidos y Canadá. El director orquestal era Lisandro Adrover, y el cantor, nuestro amigo Alfredo Sáez.
En 2007, y dirigiendo su propia orquesta, graba un disco con el título, Amanecer ciudadano, editado por el sello EPSA que contiene diez temas, combinando tangos clásicos y páginas propias como: “Amanecer ciudadano”, “Meridional”, “A la sombra del fueye”, “Mistongueando” y “De norte a sur”.
En el 2010, hizo su segunda producción discográfica con el titulo Buenosaireando, junto a Alejandro Bruschini (bandoneón), Pablo Estigarribia (piano), Silvio Acosta (contrabajo) y Washington Williman (violín). El compacto tiene 12 temas, en los que se destacan dos composiciones suyas: “Buenosaireando” y “Romance de primavera”.
El próximo 5 de Agosto (de 2022) tendré el placer de dirigir la Orquesta Nacional de Música Argentina “Juan de Dios Filiberto”, en un programa que presenta obras de Victor Lavallén y de María Laura Antonelli. “Lavallén Sinfónico” es una especie de Suite con 11 tangos de este gran músico que ha tocado con todos los grandes, incluído Osvaldo Pugliese, con quien Lavallén tocó el bandoneón y realizó arreglos para su orquesta por más de 10 años. El encargado de realizar estos arreglos sinfónicos para la ONMA es nada más y nada menos que Diego Schissi, pianista, compositor y arreglador, quien además estará tocando dentro del Quinteto Lavallén como solista al frente a la orquesta. Nos hemos sentado a conversar con Diego para charlar sobre este interesantísimo proyecto y música en general. Debajo están las respuestas.
Christian Baldini: Querido Diego, has tenido en tus manos un proyecto enorme, y lo has realizado con grandísima calidad. Contame, cómo comenzó tu relación con el Maestro Victor Lavallén? Y como fue el proceso de arreglar estos 11 temas suyos para el quinteto solista y la orquesta? Hubo algunos desafíos? Algunas sorpresas?
Diego Schissi: A Víctor lo conozco desde hace tiempo, pero nos acercamos mucho en los últimos años. Tuve el enorme privilegio de que me invitara a acompañarlo en este proyecto de llevar su música al lenguaje sinfónico. Los desafíos eran muchos porque era importante conservar el lenguaje de Víctor y a la vez hacer algo idiomático para la orquesta y que funcionara con su música. Esperamos haberlo logrado. Por otro lado, la idea de hacer una suite de 11 de sus tangos también generó un montón de preguntas acerca de cómo ordenar el material para darle un sentido integral a la obra. A tal fin, “Lavallén sinfónico” está organizado en tres movimientos, el primero y el último con tangos más energéticos y el movimiento central con obras más lentas, replicando el modelo rápido/lento/rápido de tantas obras sinfónicas.
CB: Cómo es tu relación con el tango? Además de ser compositor y pianista, también sos arreglador y a su vez muy respetado en el ambiente del jazz. Cómo coexisten en vos todas estas diferentes disciplinas?
DS: Mi relación con el tango es de continuo asombro, nunca dejo de aprender. Esta experiencia con Víctor ha sido un regalo hermoso que me dio la vida, de estar cerca y conocer de primera mano cómo piensa la música un hombre de tango, una leyenda viva. Escribir música y hacer arreglos forman parte de lo que más disfruto hacer y tocar el piano es más bien una obligación de la que no consigo librarme ya que va asociada a las actividades de escritura y no consigo quien toque lo que escribo en mi lugar. El jazz, por otra parte, quedó un poco en el camino para mí, aunque siempre se disfruta y aparece de una forma o de otra, porque es una música maravillosa.
CB: Contanos acerca de la fundación y el desarrollo del Diego Schissi Quinteto. ¿Cómo se fueron dando las cosas?
DS: El quinteto se formó en 2009. Trece años después, todavía estamos los miembros originales: Guillermo Rubino, Juan Pablo Navarro (ambos solistas en este concierto), Ismael Grossman y Santiago Segret. Nos mantenemos siempre con la intención de hacer nuestra música, intentando tomar la fuerza de la tradición, la herencia simbólica de nuestros mayores. Nuestro mayor deseo es hacer una música sincera, que cuente nuestro mundo musical, que es el tango y sus alrededores, que son muchos.
CB: Qué le dirías el público acerca del proyecto “Lavallén Sinfónico”, que van a escuchar este viernes en el Auditorio Nacional del CCK con el Quinteto Lavallén y la ONMA? Qué les dirías que se van a llevar a su casa?
DS: Se van a llevar en el alma y en los oídos parte del legado de un gran maestro, como lo es Víctor Lavallén que nos regala, no sólo su talento, sino también su fuerza, sus inagotables ganas de hacer música y su enseñanza de que el tango es un tesoro que se comparte.
CB: Muchas gracias Diego, va a ser muy especial realizar este concierto juntos!
DS: Gracias a vos y también a los solistas y a la orquesta por la entrega y el entusiasmo para darle vida a este repertorio.
Claudio Barile: Curiosamente han existido en mí obras que me han impactado a través de haberlas escuchado desde chico como los conciertos y sonatas barrocas ejecutadas por Jean- Pierre Rampal o Sir James Galway. Las he dejado en mi hermoso “rincón de escucha”, de auditor, o de agradecido espectador auditivo” por el encanto que han producido y producen el escucharlas nuevamente por esos intérpretes, sin decidirme estudiarlas yo mismo por el mero disfrutar de escucha para no romper el encanto. Acaso procrastinando la decisión de hacerlo. Podría decir que esta es una de esas obras. La he conservado en mi biblioteca por años. Hasta que un día decido “meterme en la vida privada del autor” y por ende del intérprete de mis recuerdos y decido modificar algo… Con ello quiero decir que comienzo a sentir de algún modo algo nuevo que no se dijo aún en esa obra y que puede decirse todavía, interpretativamente hablando. Es así como formará luego parte de mi vida o como que se dice comúnmente: “La sumo al repertorio.”
Esta es una obra exigente al día de hoy a pesar de que fue escrita para otro tipo de instrumento más limitado en su velocidad como lo eran las flautas del siglo XVII. Carl Phillip escribió para el instrumento de una manera Magistral. Como te digo es muy virtuosa la obra y difícil para hacerle justicia al día de hoy.
Baldini: Tu repertorio ha sido muy vasto. Has tocado obras de todos los períodos, tanto en el ámbito orquestal como en el repertorio solístico y de cámara. Cómo le explicarías a alguien que no conoce (o que cree que no gusta de) este repertorio la relevancia y la importancia que tiene tocar este enigmático concierto de CPE Bach, habiendo tocado piezas de Robert Dick, Dutilleux, Mozart y tantos otros?
Barile: J. S. Bach ha sido y es ruta en mi vida. Así como Esquilo refirió que toda su obra la había realizado con “migajas del banquete homérico”, podría decirse de algún modo que las obras de los hijos de Juan Sebastián han sido creadas bajo su influencia directa e indirecta de su padre. Se frecuenta poco el nombre de Bach en la Filarmónica y es cierto que en mi caso luego de haber sugerido u ofrecido tocar obras de Mauricio Kagel, Penderecki , Dick, Nielsen, Ibert, Khachaturian, Messiaen, es hermoso y enriquecedor para los oyentes de este concierto escuchar que los pasajes de virtuosismo (que los hay y muchos!) en este concierto luzcan con esta estética armónica y melódica.
Pero además te diré que me he encontrado en mi vida con gran cantidad de público nacional así como en el extranjero que está hambriento de escuchar más asiduamente en las armonías del periodo clásico. Quizás sea una estética más trabajosa y puntillosa, lo se… No se puede sofisticar o “mentir” virtuosismo con los autores refinados del periodo clásico. En tanto que lucir desmañado pero con visos de “apasionamiento” en la ejecución de otros autores y periodos puede pasar más desapercibido. Quizás sea por ello que no se escuche de modo más frecuente a los clásicos? No lo sé…
Baldini: Cómo comenzó tu formación musical? Cómo fue tu infancia? Y cuáles fueron los pasos que te llevaron a ser eventualmente integrante, y luego el solista de flauta de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires?
Barile: Allá por mis once años, recuerdo que mi padre había comprado su nuevo auto y le había agregado un reproductor de lo que se llamaba entonces “magazines“ (el antecesor de la cassette). Uno de sus preferidas adquisiciones había sido comprar un magazine con música de Tango, más precisamente de Troilo-Fiorentino. Me fascinaba escuchar a Troilo acompañando el refinamiento de Fiorentino! Muy musical! Así comencé estudiando bandoneón en mi barrio de Lugano por unos pocos meses hasta que una tía hermana de mi madre y mi tío flautista al parecer lo estaban convenciendo a este de que me impartiera clases de flauta.
Este tío materno no era nada menos que Domingo Rulio -gran virtuoso de la flauta!- y quien era solista en ese entonces de la Filarmónica de Buenos Aires.
Al principio se mostraba renuente con la idea, pero luego a instancias e insistencias de su hermana (siempre hay una tía en la familia, al decir de Cortázar) me prestó un instrumento que tenía guardado. Quedé fascinado con todo! Era para mí una maravilla y una reliquia y un placer que jamás se separó de mí!
Pasaron unos días y comenzó a escucharme lo que ya había empezado a impartirme como primeras lecciones anotadas en un cuaderno pentagramado. A partir de ese entonces comenzó la relación con mi tío materno. Me infundió mucha confianza en mí mismo. A mi tío Rulio le debo el haberme descubierto en mi condición de músico además de las grandiosas enseñanzas desde el punto de vista técnico con el instrumento.
En abril de 1972 comencé el conservatorio Manuel de Falla donde Rulio impartía sus clases de flauta. Avanzaba a pasos agigantados con la flauta y con felicidad. Rulio no hacía sino ponerse orgulloso de su sobrino.
Él me presentaba por doquier para tocar lo que me pidieran tocar y yo asentía feliz
Poco después me facilitó un flautín (flauta piccolo) y la fascinación mía y la de él creció aún más! Comencé a estudiar el flautín…
No hacía más que presentarme ante los directores y músicos para que escucharán tocar a su sobrino. Orgulloso el tío. Orgulloso yo por mi nueva etapa! Contaba yo mis trece años en ese entonces.
Waldo de los Ríos se presentaba por última vez en el Luna Park el 9 de septiembre de 1973. Hacía falta una flauta en el plantel y Rulio me llevo para ir a tocar con él. Yo estaba más que feliz. A decir verdad mi debut en orquesta sinfónica fue el 9-9-73 con Waldo de los Ríos.
Al año siguiente hubo la posibilidad de agrandar el plantel de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, y habida cuenta de todas las audiciones realizadas por mí ante El Mtro. Calderón, el Mtro. Sivieri y cuanto músico profesor de orquesta se pusiera delante, fuí incluido en la Orquesta como miembro interino.
No se hicieron esperar títulos de obras donde yo participaba como solista con el flautín. Allí podía lucirme como solista. Me encantaba hacerlo. Nunca el piccolo deja de ser solista en un puesto de esa naturaleza: Daphnis y Chloé de Ravel, Copellia, de Delibes, Tchaikovsky 4ta. sinfonía, etc. son títulos que frecuentábamos. Estaba Feliz.
Estuve seis años en la OFBA hasta que gane por concurso una beca para ir a Berlín a estudiar en la Fundación Karajan en 1980-1981.
Terminado ese periodo volví para casarme con quién había sido mi novia antes de salir de Buenos Aires y la madre mi hijo mayor. Luego volvimos al país
Pero hete aquí que casado necesitaba estabilidad económica…que aún no tenia.
La orquesta Estable del Teatro Colón me ofreció tocar como flauta solista en el cargo que acababa de dejar el maestro Iannelli y allí estuve tocando como solista suplente desde 1982 a 1983.
Es allí en 1983 cuando me presenté a la orquesta sinfónica nacional y quede en el puesto de suplente solista por un año y medio.
Se abrió luego la posibilidad de presentarme al puesto de Solista B en la orquesta Filarmónica de Buenos Aires. Así lo hice donde me presenté y donde hasta el día de hoy me encuentro tocando.
Baldini: Imagino que has tenido a lo largo de los años varios discípulos, seguidores, alumnos en varias diferentes etapas de sus vidas. Qué consejo le darías a alguien que es prometedor, pero que necesita ese empuje para convertirse realmente en un gran intérprete?
Barile: Quizás parezca fuera de tema mi respuesta pero cada vez qué pasa más el tiempo me voy dando cuenta de que nuestras hormonas son las mejores directores de orquesta de nuestro cuerpo. Y hay que desarrollar más sensibilidad para con ellas. No se equivocan. Quiero decir: Las veces que he emprendido actividades por “cálculo “ no han salido bien. El designio de una idea vale más que la idea misma. Si esta idea resulta “ventajosa“ o no, no importa. El estar feliz con la elección que se tiene es lo mas importante. Es como la madera con la cual uno hace una casa. Ya no es madera solamente cuando el designio fue hacer una casa y ellas la constituyen. Pasado ese periodo cuando la casa esta construida tampoco ES una casa si no contiene espacio hueco dentro para habitarla! ¿De qué sirve?
Vale decir: la “carrera” es una consecuencia de hacer lo que nos gusta. Lo que amamos. Cuidarlo. Protegerlo y enriquecerlo del deterioro es nuestro deber. Pero será un deber con mucho agrado si nuestra elección fue la correcta. Caso contrario una tortura frustrante. Como decirlo? “La carrera” nunca la entendí sino como un “ side effect“, algo que vendrá como un regalo o un premio.
Mi felicidad es mi lujo de estudiar por haber elegido bien lo que me gusta hacer y viendo como solucionar problemas que la música me demanda.
Si abordamos una tarea con el deseo de aplauso exterior será tan débil y agotadora la vida como pobre el resultado: la agónica infelicidad mendiga de un aplauso.
La aprobación exterior será por supuesto bienvenida pero no como una demanda interior que impele a reptar en lugar de caminar para lograr aprobación externa.
Baldini: Qué palabras tan sabias! Y… si tuvieras una máquina del tiempo, cambiarías algo de cómo ha sido tu exitosísima trayectoria profesional? Preguntado de otra manera: qué consejo le darías al Claudio Barile en sus años de adolescencia? Qué debería hacer distinto o mejor?
Barile: Haber confiado más aún en mis instintos. La razón consciente ciertamente nos sirve siempre para trazar todo método a llevar a cabo. Muchas veces el método por mí elegido me ha seducido grandemente. Perdiendo yo la mira del objetivo. En mi cabeza lucía bien. Pero en la práctica no. Valía lo que empíricamente me demostraban los malos resultados. Y entonces confundí el método elegido por mí con el “para qué“ seguir en esto o lo otro. Lo hacía de modo experimental sabiendo que si no funcionaba volvía para atrás. Pero a veces me he detenido más de la cuenta en esas pruebas. Hablo tanto de mi técnica instrumental, de mi alimentación y de mi modo de vida, etc
Baldini: Han habido personas, ya sean maestros, colegas, artistas con los que has trabajado que te han inspirado de manera particularmente especial? Quienes son esas personas que te han definido como artista?
Barile: Luego de que la música me impacte de modo superlativo los pensadores son los que más generaron en mí una conducta o la estética a seguir. Me ayudaron a perseguir mi alquimia. También diría a poder ser crítico y a tener fuerzas morales para no flaquear a la hora de abrirme yo mismo de determinados dogmas en la enseñanza sea del Conservatorio o de quiénes fueron mis Maestros posteriores. A partir de ellos es que nunca hube de sentirme solo en la búsqueda. A poder saber frustrarme con los experimentos, con el amor o con la gente que conocía.
Dejamos de sentirnos solos al conocer el desenlace que tuvo en su vida Kierkegaard, los desencantos no correspondidos de Nietzsche, saber algún detalle picante e intratable de Jantipa (la esposa de Sócrates) o el fatal desenlace de Werther… Leer ha sido y es mi salvación y mi liberación. No para asentir en todo lo que he leído (repito) sino para ser aún más crítico. Sabido es ya y curioso que nos vamos quedando más ajustados en cuanto a felicidad se refiera luego de ser más conscientes de un hecho. Pero no podemos ya dar un paso para atrás al despejarse el camino. “Ya no somos la misma persona tan luego haber terminado un libro“ decía Sabato… y con justa razón .
El lenguaje ha formado parte de mí estéticamente hablando. Y no todo concluye en las palabras que uno cubiletea en el cerebro y elige al hablar sino también en el énfasis colocado al decirlas. Me fascina ver la similitud que existe con la música respecto a este punto. Puedo aseverar que leer para asimilar el talento ajeno y el propio ha sido en mí una puerta a la felicidad. Pasado el tiempo aprendemos a creer en nosotros y comenzamos a despegarnos de esas ideas y también sentimos que hubiéramos deseado conocerlos en vida para debatir o intercambiar pareceres.
José Ingenieros (de quien tuve la dicha y honra de ser amigo de una de sus hijas, Amalia) ha sido una visages en mi vida desde mi adolescencia. Nietzsche, Borges, Descartes con su “Discurso” y sus “ Reglas” y su epígono, Spinoza con su “Ética demostrada…”, fueron y son siempre pensadores compañeros de ruta en mi vida.
Karajan fue el director que asimilé desde chico y como instrumentista Rampal, James Galway, Maurice Andre, Heinz Holliger, David Oistrach. En pintura podría decir van Gogh, Bosch, Dalí, Velasquez, Murillo.
Baldini: En tu opinión, cuál es la importancia de la música sinfónica en la actualidad? En muchas oportunidades escuchamos quejas o lamentos acerca del público que va declinando. Te parece que esto tiene relación con la apreciación de la cultura, con el dinero, con la calidad del producto ofrecido, o quizás con otra cosa, y que se debería hacer para remediarlo?
Barile: Hoy día se necesita VER además de escuchar. No alcanza solamente con escuchar. Ha perdido encanto el solo acto de escuchar. ¿Por qué? Acaso porque es más demandante para la concentración. Es más fácil y accesible el poder ver además de escuchar. Y no me refiero solo a la “escena” con la música al tocar sino a la gran herramienta que resultó ser YouTube. Existe una suerte de “comunismo” con la educación y los celulares. Gente rica o de menor condición económica cuenta con idéntica posibilidad de un aparato y acceso al conocimiento. Esto sin duda influye en la cultura y obviamente en la asistencia a los conciertos.
La gente va al concierto promovida a recibir la excitación ya por ver a su ídolo en vivo. No para “conocer” o escuchar la obra. Es otra la curiosidad. Por otro lado a su vez Gracias a esta posibilidad el oyente argentino está más “aggiornado “ que hace pocos años en reconocer y NO decepcionarse más ante la posibilidad de escuchar en vivo un concierto. O sea de ver realmente el sudar y pifiar a un grande o que la orquesta lo tape a tal cantante o que hubiera de haber tenido algún furcio durante el concierto. Esto hoy día no ocurre y cada vez es es más común “la mugre“ permitida durante las performances. Digamos que Hoy es más culto el oyente gracias al vivo grabado del YouTube y el fácil acceso a ver/ oír. Y lo desmañado está en boga hace años y va creciendo. Antes el fotógrafo y la familia se preparaban horas antes para una buena foto. Hoy día eso es menos común. Casi en menor escala o no existe.
Baldini: Muchas gracias, Claudio. Desde ya, es un verdadero gusto poder tratar estos temas tan profundos con vos, y me da mucho placer poder ser el vehículo de transmisión para realizar tu visión con este hermoso concierto de Carl Philipp Emanuel Bach junto a la querida Orquesta Filarmónica de Buenos Aires y vos. Nuestro público estará seguramente muy agradecido!
Barile: el agradecido soy yo y más aún saber que contaré con todo tu probado refinamiento en los autores clásicos y así trabajáremos juntos para lograr lo que esta obra requiere. Muchas Gracias a vos, Maestro!
Claudio Barile – Copyright Carlos Furman
Claudio Barile
Flauta
Nació en Buenos Aires y ha desarrollado una extensa y exitosa carrera en Sudamérica, Europa y Estados Unidos como uno de los mayores exponentes del medio musical argentino.
Sus profesores han sido Domingo Rulio en Argentina, Karlheinz Zöller en Alemania, y Nadine Asin y Sir James Galway en Estados Unidos.
Desde 1984 es flauta solista principal de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, que integra desde 1974. En reiteradas oportunidades se ha presentado en actuaciones como solista dentro del ciclo de abono que la orquesta realiza en el Teatro Colón.
Sus actuaciones como solista con la Camerata Bariloche han incluido escenarios de Sudamérica, Europa y Estados Unidos -donde se presentó en el histórico Carnegie Hall en Nueva York-. Con dicho conjunto ha grabado Impresiones de la Puna de Alberto Ginastera para el sello Dorian en Nueva York.
Activo intérprete de música de cámara, ha sido miembro fundador del “Quadro Barroco” (donde ejecuta flauta barroca), del Quinteto Filarmónico de Buenos Aires y del Ensamble Instrumental de Buenos Aires.
Ha sido merecedor en tres oportunidades del Premio Konex: en 1999 con el Diploma al Mérito en la categoría Instrumentista de Madera; en 2009 con el Diploma al Mérito en la categoría Conjunto de Cámara con el Quinteto Filarmónico de Buenos Aires, y en 2009 con el Konex de Platino como Instrumentista de Viento.
Realizó recitales en la “Sir James Galway International Flute Convention & Masterclass” en Weggis (Suiza) y en la convención anual National Flute Association en Charlotte (Carolina del Norte, EE.UU.)
En 2012 combinó una invitación para dictar una clase magistral en la Trinity Chamber Concerts (San Francisco), con una semana de clases magistrales de Piazzolla, dos conciertos en la Texas Tech University y otra presentación junto a la Orquesta Sinfónica de Ridgewood (Nueva Jersey), ejecutando el Concierto para flauta de Khachaturian.
Fue galardonado con el Premio Carlos Gardel, “Mejor Álbum de Música Clásica” 2012, por sus grabaciones de Seis Estudios para flauta sola e Historia del Tango -ambas obras de Ástor Piazzolla- y París desde aquí de Daniel Binelli.
En 2013 fue invitado por The National Flute Association para la 41º Convención de Flautistas desarrollada en Nueva Orleans. En 2018 por la Convención de la Asociación de Flautistas de España en Valencia.
Christian Baldini's Interviews 